quinta-feira, 10 de março de 2011

Aquarela

Aquarela: Pinceladas, Cores e muito Estilo

Quem nunca se arriscou a pintar um desenho, quando criança, com aquelas aquarelas que vinham eu uma paleta de papelão?
Quem nunca quis pegar um bom tanto de água e dar boas pinceladas num papel e de uma pequena manchinha feita com uma gotinha de tinta imaginou um universo inteiro de cores e formas?
Música, linha de cosméticos, nome de rádio, escolinhas infantis, nomes de pousadas e hotéis foram inspiradas na profusão de cores e no movimento desta interessante técnica que tem suas origens juntamente com os pincéis e os papéis.
A aquarela é uma técnica de pintura na qual os pigmentos se encontram dissolvidos em água. Os suportes utilizados na aguarela são muito variados, embora o mais comum seja o papel com elevada gramatura. São também utilizados como suporte o papiro, casca de árvore, tecido, madeira e tela.
Vejamos um pouco sobre a história da aquarela:
A aquarela é uma técnica muito antiga cujo aparecimento se supõe esteja relacionado com a invenção do papel e dos pincéis de pêlo de coelho, ambos surgidos na China há mais de 2000 anos.
No ocidente, há vários exemplos do emprego desta técnica desde a Idade Média, como Tadeo Gaddi, discípulo de Giotto. Ele teria produzido uma série de desenhos aquarelados, feitos sobre papel tipo pergaminho. O método foi utilizado por artistas flamengos, e amplamente empregado em Florença e Veneza. Foi com Albert Dürer que a aquarela pode resistir ao tempo, já que ele deixou pelo menos 120 obras suas.
Em 1550, um artista de nome John White participou da expedição de Sir Walter Releigth, registrando a vida, o ambiente e os costumes do Novo Mundo, sendo considerado por alguns como o pai da aquarela. No século XVIII que a técnica passou a ser considerada como um método autônomo e independente, difundida em toda a Europa e reconhecida como a “Arte Inglesa”.
Com o passar dos anos, surge uma grande contradição em torno deste método, notadamente no Brasil, onde a aquarela é vista como um método escolar. Apreciada por alguns, desprezadas por outros e incompreendida por muitos, o certo é que a aquarela deve ser defendida pelas suas qualidades intrínsecas, como uma técnica em si mesma.
Os tipos mais comuns de aquarela( utilizando a nomeclatura aquarela para se referir a tintas de mesmo nome)são:
AQUARELA EM TUBO: parecem pequenos tubos de pasta de dente, onde os pigmentos têm uma consistência pastosa e bem concentrada. Ao adicionar água, conseguimos trabalhar com tons mais claros ou mais escuros de uma mesma tinta.

AQUARELA EM PASTILHAS: são as aquarelas que parecem maquiagens femininas. Elas vem em uma paleta com várias cores diferentas, precisam de água para que se consiga fazer uma pequena mistura e são “pastilhas”  secas.

Para as pessoas que trabalham com essa técnica impressionante, a aquarela não oferece limitações: podendo se utilizar da técnica com pouquissima dissolução dos pigmentos em água para se obter uma cor mais viva e realista ou utilizando-se da técnica com muita água para se obter cores suaves e com muitas cobreposições.
Dizem que o céu é o limite pois bem, para muitos os artistas: o céu é somente o ponto de partida.









Fontes de Pesquisa:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Aguarela
www.google.com.br

segunda-feira, 28 de fevereiro de 2011

Nankim e Sumie



Nankim e Sumiê – Beleza com Conteúdo

Quando falamos de Nankim, logo nos vem a cabeça uma tinta liquida, preta e usada para arte-finalizações de trabalhos ou pinturas Japonesas e Chinesas, porém não imaginamos as riquezas por trás desse frasco de tinta. Uma das muitas riquezas é a arte Sumi, advinda da Caligrafia Chinesa e que foi se desenvolvendo até virar uma forma de expressão única e rica.

Vamos ver um pouco sobre a origem do Nankim:
Tinta nankim ou Tinta da China - um material corante, que veio originalmente da China, preparada com negro-de-fumo (pó-de-sapato) coloidal e empregada especialmente para desenhos e aquarelas.Desenvolvida pelos chineses há mais de dois mil anos, é constituída de nanopartículas de carvão suspensas em uma solução aquosa. Embora normalmente nanopartículas dissolvidas em um líquido se agreguem, formando micro e macro partículas que tendem a se depositar, se separando do líquido, os chineses antigos descobriram que era possível estabilizar a tinta nanquim pela mistura de uma cola (goma arábica) na solução com pó de carvão e água.
A nossa Tinta nankim é muito parecida com a Tinta sumi, de origem japonesa para a arte Sumi e que tem como composição fuligem, colas especiais (goma arábica), água e especiarias.


Um Pouco sobre a arte Sumi:
A arte Sumi foi introduzida no Japão no sétimo século chinês, cujas datas remontam a cerca de 2000 a.C. Ao longo do tempo, essa arte se estabeleceu como também típica japonesa, com grandes contribuições feitas pelo monge Toba-sojo, que desenhou “Choju Giga”, no período Heyan (795-1185), e Sesshu, no período Muramaki (1333-1587), considerado o primeiro estilo puramente japonês de desenho Sumi-e.
Para fazermos trabalhos utilizando a técnica de pintura Sumie temos que saber alguns poucos nomes , porém muito importantes, que se relacionam com os materiais utilizados. São estes: sumi (tinta), suzuri (bastão de tinta), bokusho (arte), kami (papel), e o fude (pincel, escova).
Sumie, também chamado “suiboku-ga”, refere-se à pintura japonesa de tinta monocromática, uma técnica que começou na China durante a Dinastia Sung (960-1274) e foi assimilada pelos japoneses no século XIV com a ajuda de monges Zen-Budistas.
Um fato importante, para entendermos um pouco sobre as pinceladas do Sumie é sabermos que o mesmo tem suas origens na caligrafia chinesa, por isso, as pinceladas utilizadas para se fazer um ideograma são as mesmas utilizadas para se fazer uma pintura.
O mais importante é que o Sumie representa não somente uma bela e singular forma de arte, mas também uma filosofia. Enquanto a maioria da pintura ocidental clássica teve como meta a descrição realista do mundo e seus objetos, o Sumie sempre foi expressão de percepção do artista. Pintores tentando capturar a essência de um objeto, pessoa, ou paisagem: mais importância para a sugestão que para o realismo.
Para retratar a simplicidade com que os artistas viam os fatos cotidianos, utilizavam somente a tinta preta que seria a maior simplificação da expressão. Enquanto que na pintura ocidental, utilizava-se de uma explosão de cores para se retratar os fatos cotidianos. Através dos traços rápidos e da inspiração momentânea, o artista mostrava naquele exato momento: sentimentos e pensamentos.
Alguns temas são uma recorrência dentro dessa arte: bambus, pássaros, carpas, ameixeiras, orquídeas, flores, e paisagens, não esquecendo aqueles ligados a temas religiosos como pinturas de patriarcas ou parábolas.
Atualmente, com o surgimento dos Nankins coloridos, existe uma tendência da aplicação de cores sobre trabalhos que antes eram apenas em tons de cinza, preto e branco. Além de cores, os temas passaram a mudar também: jogos, amigos, cartas, animais variados e monumentos históricos passaram a ser pintados com freqüência utilizando a técnica milenar do Sumie.


Fonte de pesquisas:
Partes de texto retirado do livro "Sumie - Um Caminho para o Zen" (Jordan Augusto, 2002)
http://www.bugei.com.br/bugei/mentais/sumie.asp
 

segunda-feira, 21 de fevereiro de 2011

Mangá

Quando falamos sobre mangá, a primeira coisa que nos vem à cabeça é um desenho colorido, de olhos grandes e brilhantes, cabelos espetados e cenas muito elaboradas.
E não é para menos; são estas características que fizeram do mangá o tipo de arte mais famosa no mundo.
Mesmo sendo inicialmente apenas a definição para “histórias em quadrinhos”, a palavra mangá acabou se tornando o estilo em si. E com o passar dos anos, seu nível de influência só aumentou, chegando ao ponto de ditar moda e hábitos. Comercialmente, o mangá já foi usado por várias marcas (um exemplo: Melissa) e é também usado como logomarca de produtos (exemplos: Tokidoki, Animob, Japan Society).
Sem que percebamos, esta arte nipônica agora faz parte do cotidiano dos brasileiros, seja pelas roupas, pela comida ou nos quadrinhos. E não irá desaparecer tão facilmente, como muita tendência relâmpago que surge por aí…



Vida de Desenhista

Não é muito fora do comum ouvir as pessoas dizerem que vida de desenhista é um “vidão bom”: sentado o dia todo desenhando e recebendo por isso.
Não é bem assim que funciona exatamente, e mesmo sendo uma profissão onde não se ouve reclamações e não se vê raiva em nossos rostos; é tão difícil e estressante como qualquer outro trabalho considerado “normal”.
O primeiro obstáculo quando se é desenhista, é que somos “self promoters”, ou seja, temos de fazer propaganda de nós mesmos e de nosso trabalho. A partir disso, conseguimos variados contatos e nos relacionamos com possíveis clientes e até mesmo pessoas de renome no ramo. Uma vez inseridos no mercado, as coisas ficam menos complicadas, mas não deixam de nos dar trabalho.
Dependendo do tipo de trabalho, esquecemos o significado da frase “ir dormir cedo” e “ter um fim de semana sossegado”; temos dores de coluna e no pulso (mas só nos damos conta delas quando não fazemos nada), comemos bastante junkie food (salgadinho, miojo, cookies, e o que mais vier que não seja nutritivo) em prol da praticidade, e claro, abastecidos pela cafeína; um elixir em nossas vidas atribuladas…
Seja embutida num copo de 750 ml de coca-cola, numa caneca gigante de café puro ou com leite, numa xícara de chá mate ou de uma cumbuca imensa de açaí; lá está a cafeína nos colocando de pé nos dando energia suficiente para trabalhar. E não reclamamos disso, muito pelo contrário… Muitas vezes adotamos esses “maus hábitos” só para satisfazer uma paixão: a de desenhar muito, dar nosso melhor ao cliente e ser reconhecido por nossa competencia. E quem sabe, sermos modelos de talento nato e de grandes conhecimentos…
É um pensamento para quem tem ego inflável, mas é um pensamento – muitas vezes um objetivo a ser alcançado. E para nós desenhistas, o impossível só ganha espaço se a gente não souber desenhar.